Exhibition dates:
Friday, 17 May 2013 - Saturday, 29 June 2013

Pour la première fois en France, une exposition monographique sera consacrée à l’œuvre de l‘artiste danois Eske Rex. La galerie Maria Wettergren présentera une sélection de sculptures aimantées, ainsi que des nouveaux dessins de la monumentale « Drawing Machine », une forme d’harmonographe géant inspiré par les inventions de la Renaissance. La machine, basée le mouvement balancier d’un pendule, est mise en mouvement à la main et les mouvements du pendule sont tracés directement sur le papier. Eske Rex est clairement intéressé par la machine comme une sculpture dans l’espace, et en cela on pourrait considérer les dessins comme des œuvres nées d’une (autre) œuvre. D’autre part, les dessins sont intéressants en vertu de leur qualité spatiale, temporale et texturale.
Les œuvres de Rex se caractérisent par des explorations qui interrogent le temps et l’espace en mettant en scène leur potentiel sculpturale. Ces forces élémentaires que sont la contraction, l’attraction et la répulsion sont les centres d’intérêt de l’artiste.
Dans les sculptures aimantées intitulées « Measuring Space » et « Spacemeter », des formes en bois massif flottent dans l’espace d'une façon si légère qu'elles semblent nier les lois de la gravité. Ces volumes sculptés dans la masse se cherchent et s'attirent mutuellement par la force d’aimants sans jamais se toucher. L'écart qui les sépare mesure à peine un centimètre, mais possède une forte intensité due à l'attraction magnétique. L'écart généré entre ces deux éléments se situe à hauteur de regard du spectateur et forme un champ isolé, vibrant et émotionnel, hautement chargé.
A travers l’exploration des forces magnétiques et de la gravité, l'œuvre d'Eske Rex nous interroge de manière poétique sur notre perception du temps, de l’espace et de la matière. Opérant sur un terrain interdisciplinaire entre l’art, le design et l’architecture, son œuvre dense et minimale ne cesse de nous surprendre.
Né en 1977 à Copenhague, Eske Rex a été formé au Royal Danish Academy of Fine Arts, School of Design, Copenhague (2008), chez l’artiste danois Jeppe Hein, Berlin (2007) ainsi qu’à l’University of Art and Design, Helsinki (2006). Ses œuvres ont été exposées, entre autres, à la Triennale Design Museum/Milan, Design Miami/Basel, Mindcraft/Milan, PAD Paris/London, Den Frie Center of Contemporary Art/Copenhagen, et la Cafa Art center, Beijing.
EXPOSITION DU 17 MAI AU 29 JUIN 2013
VERNISSAGE LE 16 MAI DE 19H – 21H EN PRÉSENCE DE L’ARTISTE AVEC LA SORTIE DU CATALOGUE « SILENT ACTION» (TEXTE D’ANNA YUDINA)

Venue:
18, Rue Guénégaud
75006 Paris
France

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Friday, 15 March 2013 - Sunday, 5 May 2013

Naissance de la forme…

Rodolphe Proverbio, artiste français né en 1938, est l’un des pionniers de la photographie cinétique d’après-guerre. Son nom figure parmi les membres du groupe Libre Expression avec des photographes abstraits tels qu’Etienne Bertrand Weill, Jean-Claude Gautrand and Jean Dieuzaide. Dans le cadre de l’association « Les Compagnons des Lure « , Rodolphe Proverbio entretient des échanges avec des personnalités telles qu’ Albert Plécy, Etienne Bertrand Weill, Maximilien Vox and Hans-Walter Muller. À partir de 1967, Rodolphe Proverbio entreprend une série de travaux portant sur ce qu’il appelle "esthétique de l’eau" : des photographies d’éléments géométriques simples sont prises à travers une plaque en verre sur laquelle repose une fine couche d’eau. Il découvre alors dans ces déformations une mine inépuisable de formes organiques et commencera ce que l’on pourrait nommer une recherche phénoménologique de la forme. Car, en citant l’artiste, "c’est la phase où les formes sont en gestation dans l’eau, encore imprécises, mais chargées de toute l’énergie qui va les faire éclore". En 2012, Rodolphe Proverbio reprend sous un nouvel angle ses recherches sur les métamorphoses liquides, et la galerie Maria Wettergren décide de lui consacrer une deuxième exposition regroupant une quinzaine d’œuvres historiques et contemporaines.

Non figuratives, ces images photographiques aux effets vibrants semblent organiques et étrangement poétiques. Certaines rappellent le sommeil trompeur d’un monde microcosmique, d’autres révèlent la force créatrice des turbulences aquatiques, d’autres encore possèdent une certaine qualité surréaliste rappelant, comme un lointain cousinage, l’univers de Man Ray et les paysages oniriques d’Yves Tanguy.

C'est en réfléchissant au rôle essentiel de l'eau dans la création des formes que Rodolphe Proverbio a cherché un moyen simple de mettre en évidence cette relation, exprimée ainsi par l'artiste "capter ce moment où la forme émerge (emergere : sortir de l'eau)… Je les appelle des ‘formes bourgeons’, car elles contiennent toutes leurs structures, leurs dynamiques. Elles vont éclore, se finaliser, mais elles sont encore dans un plasma originel".



L’artiste de l’an 2000 - « l’artiste inventeur »

"Je donne Rodolphe Proverbio, dont le nom romantique eut enchanté Musset, comme l’un des gagnants dans cette course contre la lumière qui annonce l’an 2000". Ce sont les mots de Maximilien Vox, illustre critique d’art, journaliste, éditeur, graveur et frère de Théodore Monod, à propos de Rodolphe Proverbio lors de sa première exposition à l’Ecole de Lure en 1964. Ce qui avait si profondément impressionné Maximilien Vox chez Rodolphe Proverbio continue de nous interpeller cinquante ans plus tard ; car Rodolphe Proverbio est un "artiste inventeur" comme à la Renaissance. Tout comme chez les inventeurs de la perspective, il s’agit pour Rodolphe Proverbio d’une nouvelle proposition optique qui, à l’aide d'outils inédits, permet une représentation autre du monde. Ces paradigmes visuels sont basés à la fois sur une invention technique assidue et un sens poétique aigu.

Se considérant comme un "fabricant d’images", Rodolphe Proverbio ne s’est jamais senti photographe au sens courant du terme, mais bien plutôt comme un peintre qui utiliserait des moyens photographiques. Il entreprend d’improviser des techniques simples et empiriques afin de traduire sa vision d’images nouvelles. Il devait inventer ses instruments au sens premier du terme, l’outil informatique n’ayant pas encore germé !

"L’artiste inventeur" se révèle déjà à partir de 1963 dans des groupes comme Libre Expression avec une série de photogrammes. C’est à dire, des photographies faites sans appareil, en dessinant directement avec des sources lumineuses sur le papier photosensible de la chambre noire, selon la méthode rendue célèbre par Man Ray et László Moholy-Nagy. Rodolphe Proverbio réalisera entre 1963 et 1967 ses "peintures à la lumière", où les rayons de lumière ont remplacé le pinceau et le pigment pour "une peinture immatérielle". Mais, à la différence de la peinture traditionnelle, le papier photo ne révélera l’image qu’il a recueillie qu’après un traitement chimique. Si bien, que pendant tout le temps où l’artiste dessinera, sa feuille de papier restera blanche. L’impact de ce procédé est considérable, car le temps que durera la réalisation proprement dite d’un de ces dessins est un état de grande concentration et de grâce. Ce procédé implique une gestuelle qui engage tout le corps, comme une danse. L’approche s’apparente peut-être à ce que l’on pourrait appeler Action Photo.

Qu’il s’agisse de tracer l’invisible où de capter la forme naissante, l’entreprise de Rodolphe Proverbio est fascinante et profondément originale. La Galerie Maria Wettergren est fière de présenter cette deuxième exposition en présence de l’artiste le jeudi 14 mars à partir de 18 h.

Venue:
18, rue Guénégaud
75006 Paris
France

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Saturday, 9 March 2013 - Saturday, 9 March 2013

January 31 – March 9 2013

The current exhibition is focusing on Scandinavian women designers with unique or limited edition furniture, lightings and objects by Louise Campbell, Ditte Hammerstroem, Astrid Krogh, Katriina Nuutinen, Cecilie Manz, Tora Urup, Grethe Soerensen and Line Depping.
Through various materials such as wood, rubber, optic fiber, neon, metal, glass, wool and cotton threads, these contemporary female designers affirm in different ways how high-tech can meet low-tech in an interdisciplinary dialogue. The result is a series of poetic objects that challenges the traditional boundaries between art and design and questions the idea of “feminine values” in the design world today.
The optic fiber tapestries by Danish designer Astrid Krogh are hand woven on a loom. Named after the sky, these light infused textiles are changing into different colors in a slow, meditative pace, translating natural phenomenon into emotional perception. Hung from a wall or in the middle of a space, these optic fiber tapestries give the illusion of smooth atmospheric changes, such as a cloud passing in front of the sun or the first sunbeams on the horizon,
The chaise longue « Slow Relief » by Louise Campbell is made of single slices of laser-cut aluminum covered with thousands of cotton and wool threads in bright joyful colors. Mixing hard-edge form with soft texture, Louise Campbell continues to explore the dialogue between art and design where traditional craftsmanship is combined with artistic endeavor to form an iconic cutting-edge object.

Venue:
18 rue guénégaud
75006 Paris
France

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Friday, 26 October 2012 - Saturday, 22 December 2012

The gallery is pleased to invite you to the Astrid Krogh exhibition « SKY » which has been created especially for Galerie Maria Wettergren.

As the title indicates, Astrid Krogh has been inspired by the sky with its subtle light transitions and clouds for the works presented in this exhibition. Neon sculptures and large optic fiber tapestries are part of the show, revealing Astrid Krogh’s specific interest in light, both the natural daylight and the artificial light, and the dialogue between the two. Among the new works of this exhibition, her latest work “MARE TRANQUILITATIS” (Sea of Tranquility) sets the tone of the exhibition. The optic fiber installation of cosmic dimensions refers to a lunar mare that is situated within the Tranquilitatis basin on the Moon. Another new work is entitled “FIVE FOLD HAPPINESS” and represents a great neon cloud of an otherworldly whiteness.

The gallery is very pleased to invite you to the Astrid Krogh exhibition « SKY ». The sky with its subtle light transitions is a profound source of inspiration for the works presented in this exhibition. Large neon sculptures and optic fiber tapestries are revealing Astrid Krogh’s specific interest in light, both the natural daylight and the artificial light, and in the dialogue between them. Among the new works, her latest “MARE TRANQUILITATIS” sets the tone of the show. The title of this optic fiber sculpture of cosmic dimensions refers to a lunar mare that is situated within the Tranquilitatis basin on the Moon. The tremendous neon cloud of an otherworldly whiteness entitled “FIVE FOLD HAPPINESS” is another of Astrid Krogh’s latest pieces. Galerie Maria Wettergren equally presents Krogh’s famous hand woven optic fiber tapestries SKY I and II. In a slow and meditative rhythm, these pieces reveal the subtle changes of the sky from dawn to midnight passing through the afternoon sun and the twilight hour, subtly transforming natural phenomena into emotional perception.

Venue:
18 rue Guénégaud
75006 Paris
France

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Wednesday, 10 October 2012 - Sunday, 14 October 2012

Venue:
Berkeley Square
W1 London
United Kingdom

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Friday, 22 June 2012 - Saturday, 28 July 2012

‘Honest’ design is what we try to pursue by logical thinking. The Japanese architect and designer Keiji Ashizawa explores the laws of gravity and the nature of light by the most simple means in his poetic lightings Gravity and Parabola.
A gentle curve is created by hanging a thin metal plate in the air. By gravity, the plate naturally bends into an ideal light reflector. Different curves can be achieved by using plates of varying thickness. Suspended from two points, it captures the form of a sheet of paper being carried in the wind. It flattens out into a simple metal sheet when it is returned to the ground. With Parabola, Keiji Ashizawa uses the characteristics of a parabola dish, where an amplified parallel light is created by shining a point light source to a focus on the surface of the dish. Ashizawa focuses on elementary natural laws and principles thereby achieving maximum effects by minimum means. His design expresses a seemingly effortless poetry combined with strong urban symbols. The lamps are available on order in a limited edition made by Galerie Maria Wettergren.

Venue:
18, Rue Guénégaud
75006 Paris
France

Friday, 1 June 2012 - Saturday, 21 July 2012

With the City Light / Rush Hour tapestries, Grethe Sørensen has translated photographic pixels into threads, video recordings into weavings.
In the darkness, physical things disappear and man-made light from neon signs, traffic lights, shops and advertising signs start to trace their own magic patterns and forms in the night. Video recordings of urban night light from Shanghai, New York and Copenhagen form the basis of
these unique wall tapestries, which were made at the Tilburg textile Museum by Grethe Sørensen between 2010-2011. The unfocused camera transforms the realism of the traffic lights into soft patterns of circular, half-transparent light surfaces. The light from the illuminated shops traces large foggy shapes that flow like soft colored clouds. With shifting impressions of oncoming traffic and sudden deep glances into dark side alleys, the tapestries are translating the poetry of the living image with its slowly streaming movement into contemporary urban dream landscapes. By inventing the method to translate pixels into threads, Grethe Sørensen has revolutionized the art of tapestry by creating photo-generated images of striking beauty that were not possible before.
Born in 1947 in Viborg in Denmark, Grethe Soerensen is considered as a pioneer in the field of textile art combining high technologies with traditional craftsmanship, and her works are represented in important private and public collections such as the Danish Design Museum, the New Carlsberg Foundation, the Trapholt Art Museum and the Boraas Museum in Sweden. The City Light / Rush Hour tapestries are making their first Parisian in Galerie Maria Wettergren in a solo exhibition from May 31 to July 21 2012.


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Venue:
18, Rue Guénégaud
75006 Paris
France

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Tuesday, 12 June 2012 - Sunday, 17 June 2012

The gallery is pleased to announce it's third participation in the Design Miami/Basel fair. The gallery will present a selection of pieces by Mathias Bengtsson, Astrid Krogh, Louise Campbell, Tora Urup, Harri Koskinen, Grethe Soerensen, Helmut Eigenmann, Erling Christoffersen, GamFratesi, Ilkka Suppanen, Mikko Paakkanen, Jakob joergensen, Line Depping and Ditte Hammerstroem

Venue:
Hall 5, Messe Basel
Messeplatz
4004 Bâle
Switzerland

Friday, 21 October 2011 - Saturday, 21 January 2012

Design & Art Finlandais Contemporain

Harri Koskinen
Mikko Paakkanen
Timo Salli
Katriina Nuutinen & Niels Ole Frandsen
Ilkka Suppanen
Kristina Wiherheimo

Venue:
18, Rue Guénégaud
75006 Paris
France

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Saturday, 10 December 2011 - Sunday, 16 October 2011

Venue:
PAD London
Berkeley Square
W1 London
United Kingdom

Monday, 13 June 2011 - Saturday, 18 June 2011

Venue:
Design Miami Basel 2011
Hall 5, Messe Basel, Messeplatz
4005 Basel
Switzerland

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Friday, 4 March 2011 - Saturday, 28 May 2011

Le Bois revisité par les designers danois du XXIe Siècle.

L’exposition présentera une sélection de meubles, de luminaires et d’objets d’art de designers danois contemporains ayant en commun une attirance pour le bois travaillé d’une façon exceptionnelle et surprenante.

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Venue:
18, Rue Guénégaud
75006 Paris
France

Wednesday, 30 March 2011 - Monday, 4 April 2011

Venue:
PAD Paris
75006 Paris
France

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Thursday, 9 September 2010 - Friday, 31 December 2010

For the opening exhibition, the gallery will be focusing on Danish pioneering design from the past 15 years, and produce and exhibit pieces by major contemporary designers such as Mathias Bengtsson, Louise Campbell, Rasmus Fenhann, Ditte Hammerstroem, Astrid Krogh, Cecilie Manz and Niels Hvass.

Venue:
18, rue Guénégaud
75006 Paris
France

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Friday, 5 November 2010 - Friday, 31 December 2010

Dans le cadre de Photo Saint-Germain-des-Prés, et à l’occasion du mois de la photo, la Galerie Maria Wettergren a l’honneur de présenter l’œuvre photographique de l’artiste français, Rodolphe Proverbio (artiste français né en 1938). Rodolphe Proverbio, dont le nom se rattache au Groupe Libre Expression et aux photographes abstraits français d’après-guerre tels que Etienne Bertrand Weill, Jean-Claude Gautrand et Jean Dieuzaide, entreprend entre 1963 et 1967 un série d’expérimentations picturales basé sur la technique du photogramme. En manipulant différentes sources lumineuses en chambre noire devant un papier en grand format ou devant un appareil ouvert en pose, il obtient des images abstraites et insolites, dont le tracé calligraphié révèle une dimension cosmique.

Venue:
18, rue Guénégaud
75006 Paris
France

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